La decimocuarta clase: seguimos con la distancia

Continuamos con el concepto de distancia y ampliamos un poco más su "definición" en el mundo del arte contemporáneo:

Algunas anotaciones:
-WORRINGEN: historiador y teórico del arte.
-La estética tiene que ver con los sentidos, con lo sientes.
-Se llegó a utilizar el término estética cmo sinónimo de belleza. No es un sinónimo de estilo. Se ha pervertido su significado.
-El estilo puede ser deifinido como un concepto, un movimiento, etc -> solo caifica.
-Se dice que alguien tiene gusto cuando posee sensibilidad.
-Sensibilidad=gusto.
-Cuantomás alejados de los sentidos estemos más alejados estamos de nuestros intereses.
-A partir de los años 60 muchos artistas comienzan a trabajar con la impronta->importanci del significado de distancia->el no querer trabjar directamente.
-La imrponta es un tipo de metáfora que te lleva...
-El arte te lleva a otros mundos.
-Importancia del espacio para la contemplación->el museo.
¿Quiere decir que los museos no son lugares adecuados para el sentido completo de las obras?.
-DUCHAMP: "With my tonge in my cheek".
Trabajan con el contacto, curiosamente intentan dejar a un lado el concepto de distancia. Distancia estética de tradición idealista. En ella esta basada la autonomía del arte. Escena frente a Juno Ludovisi de Schiller recuperada por Ranciere.
-Teoría de los medios de Benjamin/Teoría de la modernidad basada en una dialéctica lejos/cerca.
-La distancia era la gran palabra del momento.
-La autonomía se conigue a través de la distancia.
-"Adoptar un punto de vista" nace en el hombre del Renaciemiento.
-Si objetivas pones distancia a un objeto.
-El cine nos acerca a las cosas como el ojo humano nunca a podido hacer. Nos da detalles.
-En el cine hay un inconsciente óptico: te lo otorga.
-Los medios nos acercan a las cosas.
-WALTER BENJAMIN-> no le daba importancia al contenido. Se carga la relación de forma y contenido.
-Nuestra experiencia moderna esta basada en shock. Es una experiencia perceptiva nueva.
-¿Cbe la palabra contemplación en la experiencia del shock? No.
-Los shocks los recibimos a través del organismo. Son acústico-visuales.¿Existen sensaciones físicas?.
-El arte te produce shocks, te hace pensar, resuta liberador para las masas¿?. No las "adormece". Fue muy utilizado por regímenes totalitaristas.
-El Museo->aura->ensalzamiento de ciertos individuos.
-El aura termina estetizando la política.
-El esteticismo político termina en guerra.
-WALTER BENJAMIN: "La obra de arte en su reproductibilidad técnica".
-El aura es la lejanía por cercano que pueda estar. Se opone a la huella.
-Huella es proximidad es proximidad po lejano que sea aquello que la aleja. Con la huella nos apropiamos de las cosas, el aura se apropia de nosostros.
-Dotar de aura a una cosa es dotar de poder levantar la mirada de alguien.
-El aura es lo que rodea a los objetos en los museos.
-Un objeto con aura te mira pero tu no puedes devolverle la mirada.
-Ser esencialmente lejano tiene que ver con el culto (la religión). Es una lejanía innalcanzable.
-La autenticidad sustituye al valor de culto.
-En una obra se puede acentuar el valor expositivo y el de culto.
- Un obra en un museo no tiene ese caracter ritual que puede tener una imagen religiosa en un templo.
-Reproductibilidad técnica.
-El aura se atrinchera en las fotografías en el rostro.
-El fotógrafo no respeta la distancia, se introduce en los "tejidos", a diferencia del pintor.
-La reproductibilidad técnica modifica la relación de las masas para con el arte.
-Disipación y recogimiento se contradicen.
-El embriagado de shocks dados mediante: el cine, las lecturas, etc, es el que genera iuminaciones profanas. Le genera una nueva visión del mundo que nates no conocía. Esto es algo que en teoría la pintura no puede conseguir.
-La reproductibilidad técnica no mata la obra sino que la atrofia.
-En defintiva se pretende romper con la fascinación.
-Libros:- "La pequeña historia de la fotografía".
- "La obra de arte en su reproductibilidad técnica".
- "El narrador".
- "El autor como productor".
- "El umbral del mundo visible".

Dora García

Dora García nació en Valladolid, en 1965. En 1988 se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Salamanca. Ese mismo año participó en la Muestra de Arte Joven, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Entre 1988 y 1989 tomó parte en los talleres de arte que organizó el Círculo de Bellas Artes de Madrid, y realizó un curso en Arteleku, en San Sebastián. En 1989 obtuvo una beca Nuffic que le permitió estudiar entre 1989 y 1991 en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten de Ámsterdam. Cuando habla de sus continuos viajes, la artista afirma que ser un extraño allá donde va no le hace feliz, pero en cambio es muy productivo para su carrera artística. 

Ha participado en múltiples exposiciones individuales, tanto en Holanda como en Bélgica y Madrid. Cabe destacar su participación en Manifesta 2 en 1998, en la sección Proyectos de ARCO, en  el año 2000, en la que presentó la videoinstalación Sueño (muy cerca) en colaboración la bailarina y coreógrafa Marian del Valle, y en la 8ª Bienal de Estambul, en 2003. Actualmente, desarrolla su trabajo entre Bruselas y Ámsterdam.

Su obra

La  obra  de  Dora  García  abarca  disciplinas  tan  diversas  como  la  fotografía, escultura, instalaciones, performance, vídeo, sonido o net.art. Durante los primeros años de su carrera desarrolló principalmente la escultura y el dibujo. Sus esculturas, realizadas casi siempre para un entorno concreto, se caracterizan por la simplicidad. Alternaba esta actividad con las obras gráficas y con el dibujo, del que se vale para contar historias. No concibe el arte gráfico como su principal producción artística ya que esta técnica exige, según ella, una infraestructura más compleja, y además el artista está muchas veces limitado por el formato y el soporte. De cualquier forma, no rechaza crear obras gráficas en lo que ella denomina “intermedios de trabajo”.

Dora García investiga las múltiples relaciones que existen entre un sujeto y el contexto en el que se sitúa. Analiza las leyes y contradicciones que rigen el comportamiento humano en sociedad. Basa  su obra en el uso de la ficción como herramienta en las artes visuales, jugando sin parar  con la dicotomía ficción–realidad. El espectador, involuntario en muchos de los casos, no sabe si lo que está viendo es verdadero, o simplemente fruto de una invención. Desarrolla dos instrumentos que son fundamentales en su trabajo: Internet y la performance. 

Es un hecho probado que las nuevas tecnologías de la información e internet ofrecen un medio ideal para inventarse situaciones y hacer que parezcan verdad, aunque en realidad no lo sean. En esta misma línea, a Dora García le gustan las performance que se hacían en los años sesenta en Estados Unidos porque, según sus propias palabras, Según las propias palabras de la artista, “nunca se sabe en qué momento empiezan y acaban, e incluso cuesta trabajo identificar al performer, creándose un espacio de duda constante entre el artista y el público”. 

Para llevar a cabo sus proyectos, Dora García aúna estas dos herramientas, y desarrolla performances on-line.  Afirma que sus obras pretenden que desaparezcan los límites entre los hechos reales y su narración, entre lo real y lo imaginado, de forma que siempre esté presente la sospecha sobre la veracidad de los hechos. 

Dora García también pretende modificar la relación que se establece habitualmente entre el espectador, el artista y su obra. Crea una tensión en los espectadores, ya que sus obras admiten diversas interpretaciones espaciales. El espectador no tiene prefijado el camino que debe recorrer, sino que puede moverse libremente por el espacio para examinar los objetos desde diversos ángulos. Pero por otro lado, tiene la posibilidad de situarse en un punto en la distancia, desde el que apreciar las obras como si de pinturas se tratase. 

Esta ambigüedad se refleja también  en el plano conceptual, ya que las connotaciones interpretativas que plantean las obras de Dora García hacen que nuestra capacidad de asociación esté continuamente activa. 
Quiere con sus instalaciones crear un espacio con una estructura compleja, con multitud de elementos que rodeen al espectador, de forma que sienta que este espacio ha sido creado en exclusiva para él. 

La creación de contenido es un proceso que fascina a Dora García. Igual que en la literatura, es algo que ocurre en  el espacio entre el lenguaje visual y el contenido concreto. Fijarnos únicamente en las figuras de forma individual y en las actuaciones específicas no nos acercará  a ese contenido, ya que es fundamental concebir los elementos como un todo para lograr comprender ese todo. 


En el texto que leí de Dora García titulado ¿Pato o conejo?, la artista exponía que ella quería ser artista por la pasión desenfrenada que tenía hacía ciertos artistas y no porque tuviese especiales aptitudes para ello. Y entonces yo me pregunto ¿puede ser artista hoy en día cualquier persona?. 
Hace siglos se tenía muy claro quien era artista y quien no, y desde luego se demostraba a través de las habilidades técnicas de la persona, cualquiera que no entrase en este rango no podía ser calificado como artista. Hoy en día creo que esta algo más difuso este termino o quizás no, desde luego ya no implica las mismas condiciones. Hay una cosa que esta bien clara y es que aquel que genere una propuesta conceptual y "guste" ya es considerado artista. Y aquel que genera una obra más plástica y menos conceptual, el que crea cuadros, esculturas, etc, a la manera clásica, ¿es considerado artista?. Pues en este caso depende, desde luego no es lo que más triunfa en la actualidad y aquí cuesta más decidirse. Por lo tanto yo me llego a plantear determinadas cosas como estudiante de bellas artes, como por ejemplo ¿por qué, si hoy en día prima más la obra conceptual, discursiva, predominante sobre la habilidad técnica, siguen enseñando en las facultades de bellas artes, las artes de pintar, esculpir y dibujar? ¿no es perder un poco el tiempo ante lo que se "lleva"? ¿no es contradictorio?. Yo como estudiante de esta carrera apoyo este tipo de enseñanza clásica, y puede que mi visión del arte sea algo anticuada pero sinceramente creo que es esto es ser realmente artista. Y no significa que este en contra de las obras más conceptuales, para nada. Considero el discurso un elemento fundamental en las obras, sin embargo no puede evitar sentirme estafada por determinados artistas. Es ver expuesta su obra y pensar que me están tomando el pelo, técnicamente no son gran cosa o nada, pero parece que el texto que va detrás de ella encandila a los entendidos de arte. Me da la sensación que cualquiera con un poco de picaresca y demagogia puede llegar a conseguir tan apreciado título. Quizás se trate de tener mucha suerte y algo más en este mundo. 

*Sobre Dora García : Información sacada de: http://librivision.artium.org/dossieres/AR00105/GarciaDora.pdf

La decimotercera clase: la distancia

Estamos ya en la decimotercera clase, y hemos vuelto de las vacaciones de Navidad. Empezamos con novedades, primeramente se acabo los talleres y los trabjos en grupo, desde ahora leeremos muchos textos y nos prepararemos para crear nuestro ensayo personal que hay que entregar a final del cuatrimestre. En cuanto a esta primera clase, hemos comenzado con un nuevo tema a tratar: la distancia, como aquello que nos separa al espectador de la obra en si misma.

 

Algunos apuntes:

-Existen distintos grados de expetación, depende de la distancia.

-La autonomía de una obra se fundamenta en la separación.

-Por lo tanto la figura del artista no se sabe donde buscarla.

      ->El espectador observa, mira, hay un proceso de pensamientto.

      ->3 tipos de espectador:

            -Los que van a mirar (según Pitágoras).                                    

            -La figura del espectador como sabio (según Lucrecio).

            -Sujeto de una experiencia desinteresada que unicamente siente placer al verse       viendo (según el juicio kantiano).

-El surrealismo habla del caracter mimético.

-Perderte en el objeto genera placer.

-La imagen como objeto teórico->nos ayuda a teorizar.

-"Lecturas para un espectador inquieto".

-DUCHAMP->ataca la idea del cubo blanco (el objeto expuesto como objeto de coontemplación). El cubo blanco es un sitio ideologizado.

-Representar es enmarcar. Los artitas de los años 60 intentan cargarse el marco que es lo que genera la separación entre el espectador y la obra.

-La perspectiva es representar a distancia.

-FOCAULT-> "Vigilar y castigar".

-La noción de autonomía artística entendiendo qeu autonomía es un término didáctico.

-Las obras vistas en clase hablan sobre la distancia, la cuestionan.

-BRUNO LATOUR-> "La esperanza de Pandora"

-"Nimismo".

-Paradigma estético de Guattari.

-S.XIX: La vida inicia el arte.

-Arte como artificio.

-BEUYS-> se contrapone al artificio.

¿Algunos artistas que plantean preguntas?

Esta fue la propuesta de Aurora para después de navidades: buscar artistas que trabajen con las preguntas. No se muy bien si era para un nuevo taller o como previo comienzo de la nueva clase para después de estas fechas vacacionales. Así pues comencé la búsqueda de este tipo de artistas y la verdad es que resulto una ardua tarea pues artistas que trabajen directamente con las preguntas no los encontré. Intente finalmente probar a buscar artistas cuyos trabajos planteasen "preguntas" que los mismo artistas se hacían a ellos mismos. De esta manera encontré, no se si acertadamente, a la artista francesa Annete Messager, los artistas Land Art, los artistas surrealistas o la artista Dora García.

Annete Messager

Annete Messager, es un artista conetemporánea francesa nad¡cida el 30 de noviembre de 1943 en Berck-sur-Mer (Paso de Calais).Es conocida principalmente por su trabajo de instalación en el que a menudo incluye fotografías, grabados y dibujos, y materiales diversos. En su arte representa una mezcla de la realidad cotidiana y la fantasía, y desde sus inicios en la década de 1970 está vinculada con el arte feminista. Messager ha expuesto y publicado su trabajo ampliamente. Es la compañera del artista francés Christian Boltanski.

Influida por el surrealismo de André Breton y el feminismo en el contexto de la década de 1970, su obra se inscribe en la corriente llamada "mitologías individuales", que marca un renovado interés en la autobiografía y la historia. Explora paralelamente la ambivalencia de la infancia, el informe mágico del mundo, lo fantasmal y lo fantástico (trampas de quimeras, 1984), manteniendo la proximidad con el arte popular.

Mediante el uso de las prácticas modestas próximas al Art Brut, los llamados artes primeros (los talismanes cotidianos), la artesanía, el arte de las tareas diarias (los talismanes cotidianos) o las producciones de la infancia(la práctica recurrente del día) Messager quiere saber en qué momento una creación pertenece al reino del arte.

El espectador se siente atraído y a la vez intimidado por la instalación de las obras. pero la artista le propone atravesarlas y vivir la experiencia. Un cementerio de peluches en alegres tonos infantiles, una sala en penumbra con multitud de elementos que cuelgan del techo en medio de una maraña de largos hilos de lana o un bosque de animalillos empalados no dejan indiferente al visitante.

Entre los elementos de su lenguaje plástico, los animales disecados tienen un papel importante. Messager traza un paralelismo entre taxidermia y la fotografía.

Desde el principio de su carrera reivindicó el papel de artista devaluada que utiliza solo materiales familiares, de desecho, sin ninguna técnica. Como John Baldessari o Christian Boltanski, se plantea una manera distinta de hacer arte dotando a sus instalaciones de una intencionalidad provocada por la conjunción de elementos dispares.

La obra en general se caracteriza por el uso de materiales pertenecientes al Arte Pobre: peluches, piezas de tejido, lápices de colores, cojines, etc. Los objetos modestos y del entorno familiar con los que la artista fabrica estructuras revelándose como talismanes, de la reliquia o el ex-voto popular, bajo una perspectiva que busca tanto la protección como la inquietud.

Desde 1988, usa peluches, animales disecados, piezas de tela y realiza híbridos medio humanos y medio bestias.

Land Art

El Land Art es una tendencia del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra,piedras, arena, rocas, fuego, agua, etc).

El arte generado a partir de un lugar, que algunas veces parece un cruce entre escultura y arquitectura, en otras un híbrido entre escultura y arquitectura de paisaje en donde juega un papel cada vez más determinante en el espacio público contemporáneo. En realidad, puede considerarse como un nuevo comportamiento artístico, alejado de los modos tradicionales, como otros que surgieron en los años 60 y 70 en respuesta a la comercialización del objeto artístico tradicional. Algunos de esos artistas son: Richard Long, Christo & Jeanne-Claude, Robert Morris, Robert Smithson, Andy Goldsworthy, Dennis Oppenheim, Michael Heizer, Agustín Ibarrola, etc.

El paisaje es parte fundamental de la obra, el que indica muchas veces el que hacer. El artista dialoga primero con el entorno y posteriormente la obra realizada en él conservará esta conversación. Así surge la transformación que permite a esta experiencia artística recuperar valores ancestrales, comunicar ideas, pensamientos y sensaciones.

El soporte y el material es el propio paisaje existente, tanto urbano como rural. Su principal técnica es la instalación en el paisaje, modificando una fracción del mismo. Los artistas corrigen la topografía, cavan zanjas, simas o surcos, hacen grandes movimientos de tierra usando maquinaria; distribuyen colorante en playas o desiertos; pintan árboles; colocan piedras de una determinada manera;etc.

Su finalidad es producir emociones plásticas en el espectador que se enfrenta a un paisaje determinado  El principio fundamental del Land Art es alterar, con un sentido artístico, el paisaje, para produce el máximo de efectos y sensaciones al observador. Se pretende reflejar la relación entre el hombre y la tierra, el medio ambiente y el mundo, expresando al mismo tiempo el dolor, debido al deterioro ambiental del clima que existe hoy en día. Lo principal es la interacción del humano-artista con el medio.

El Land Art establece un diálogo, muchas veces de carácterarquitectónico pero siempre bajo el imperativo artístico, con la naturaleza. Expone delante del espectador un mundo que requiere de este para su comprensión que se compenetre con mucha más intensidad que la empleada para la simple visión de un paisaje.

La obra resultante es mucho más efímera que la resultante dela arte convencional. De ahí  que se fotografié o se recoga en planos, bocetos o grabaciones audiovisuales. Cuando así es mostrada al público en exposiciones y galerías, el espectador debe "re-construir" mentalmente lo ocurrido.

Surrealismo

El Surrealismo comenzó en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.

Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes  metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos,representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferían los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significaba que importaba más el asunto que la propia realización.

De esta manera, entre los artistas plásticos se manifestó una dualidad en la interpretación del surrealismo: los surrealistas abstractos, que se decantaron por la aplicación del automatismo puro, como Joan Miró, e inventaron universos figurativos propios; y los surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica, entre ellos Magritte, Delvaux o Dalí, que se sirvieron de un realismo minucioso y de medios de objetos y las monstruosas deformaciones, así como por la atmósfera onírica y delirante que se desprendía de sus obras. Ernst es uno de los pocos surrealistas que se mueve entre las dos vías.

Dora García

Valladolid, 1965. Dora García cursó sus estudios de Bellas Artes en la Universidad de Salamanca, España, y en la Riijksakademie de Ámsterdam, Holanda entre 1985 y 1992. Actualmente vive y trabaja en Bruselas.
Es heredera de la tradición del conceptual español de Isidoro Valcárcel Medina o Esther Ferrer. Ha llegado a actualizar la performance al máximo para interactuar con el público de hoy. 

Dora García utiliza el espacio expositivo como plataforma ara llevar a acabo una investigación sobre la relación entre espectador, obra y lugar, a menudo utilizando la performance y la interactividad con este fin. A través de cambios mínimos, sin invadir el espacio, convierte la sala en una experiencia sensorial, dela que cada visitante sale con sus percepciones alteradas, o como mínimo con cierto grado de escepticismo. Al entrar en contacto con la obra de Dora García, desarrollamos un sentido para empezar a leer los más pequeños signos como posibles significantes. La artista trata el tema de la experiencia guionizada, así convirtiendo a los espectadores de una ficción, a aveces a sabiendas, otras no.

Ha participado en exposiciones de arte internacionales como la Manifiesta (1998), la Bienal de Estambul (2003), Münster Sculpture Projects (2007) y la Bienal de Sydney (2008). Su obra se ha mostrado en ) museos como la Macba, Barcelona (2003), MNCARS, Madrid (2005), MUSAC, León (2005), SMAK, Gante (2006) y GfZK, Leipzig (2007). En 2009 inauguró una exposición en el CGAC (Santiago de Compostela), y participo con un "solo project" en "Playing the city" (Schirn Kunsthalle, Frankfut, Alemania) y la galería cívica de Trento, Italia.

*Sobre Annete Messager: Información sacada de: http://es.wikipedia.org/wiki/Annette_Messager

*Sobre Annete Messager: Información sacada de: http://elpais.com/diario/1999/02/10/cultura/918601201_850215.html

*Sobre Land Art: Información sacada de: http://es.wikipedia.org/wiki/Land_Art

*Sobre Surrealismo: Información sacada de: http://www.arteespana.com/surrealismo.htm
*Sobre Dora García: Información sacada de: http://www.hamacaonline.net/autor.php?id=77

¿Nueva propuesta de taller?

Tras finalizar la clase y antes de irnos de vacaciones, se propuso una nueva idea para el taller, buscar obras o artistas que trabajasen con las preguntas. Esto no terminó de quedar muy claro ¿será para el próximo taller?, yo imagino que si, que será para el próximo taller.

Imagino que no se trata de buscar artistas que trabajen "con la pregunta" literalmente. Habrá que buscar autores y obras que planteen "preguntas", es decir, artistas que se hayan cuestionado ciertas cosas y que quedan plasmadas en sus obras haciendo que el espectador reflexiones sobre ellas y a su vez genere en ellos otras.

Creo que no va a ser una tarea sencilla, pero ameniza mucho el trabajo. No esta mal probar cosas distintas.

Nuestro cuestionario del cuarto taller

Como ocurrió en el anterior taller, el equipo kiwi y yo no hemos podido plantear nuestras preguntas sobre los textos y exposiciones propuestas. Sin embargo no hemos dado cuenta que muchas de las cuestiones planteadas en la clase de ayer, son las mismas que las que nos planteamos nosotros. Así que de alguna manera "inervenimos". Aquí dejo las cuestiones del cuarto taller: "De la  obra de arte autónoma  al proceso  las prácticas artísticas  la  investigación artística".

Equipo Kiwi (Grupo 3):
Mónica Alda Sanz
Oliver Domingo Martín
Natalia R. Giavedoni Corujo

De la « obra de arte autónoma » al proceso: las « prácticas artísticas », la « investigación artística ».

“Lo que veremos en Kassel será arte o no” (Carolyn Christov – Bakargiev). Esta frase está muy en relación con lo expuesto en CaixaForum. El artista Richard Hamilton con su obra “Maps of Palestine” (2009-10) nos muestra como la idea de “obra de arte” queda alejada de la concepción tradicional de este término. Como espectadores entramos predispuestos a una actitud contemplativa, asumimos ese rol, de tal manera que, automáticamente, se nos activa el mismo proceso de asimilación tanto en el caso de “Los Borrachos” de Velázquez como en “Maps of Palestine” de Hamilton. ¿Qué es lo que determina que algo tan trivial como es un mapa, sin intervención artística alguna, sea considerado una obra de arte?

En el contexto del museo este mapa nos lleva a traer a la conciencia el conflicto desde un punto de vista subjetivo, el de la memoria. Si encontráramos este mismo mapa en un libro de texto, ¿qué posición adoptaríamos? Mientras en el primer caso se apela a los sentimientos, en el segundo son meros hechos, es historia.

                                                                                       Mapa político cualquiera

                          Maps of Palestine

                             Richard Hamilton

 

Esto nos lleva a plantearnos otras cuestiones como la que propone García Dory sobre un arte útil.

 

«El arte siempre ha tenido una función social, pero en el momento en que vivimos de crisis social y ambiental es más necesario por parte de todos los agentes sociales y culturales esforzarse en buscar y dar un sentido a su actividad. No podemos permitirnos crear un arte sólo contemplativo, que busque el goce de los sentidos y que sea sólo para el disfrute. Es necesario intervenir en el mundo y poner toda nuestra energía en él».

En consonancia con esto último encontramos reminiscencias en la exposición “Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años ochenta en América Latina". Según Parreño, los recursos del arte pueden contribuir a la transformación de la sociedad. Pero, conociendo el desarrollo de la política y la sociedad en países como Argentina, ¿cómo podemos afirmar que el arte posee un verdadero poder revolucionario y transformador?

“Algunas de las imágenes expuestas pueden herir la sensibilidad del espectador”. Nada más dejar atrás esta advertencia nos chocamos con la primera: Hebe de Bonafini junto Fernando “Coco” Bedoya realizando una serigrafía. Hebe de Bonafini comenzó siendo una activista por los derechos humanos y una de las fundadoras de la Asociación de las Madres de Plaza de Mayo. Sin embargo, su imagen se ha ido corrompiendo, por un lado, debido a su posicionamiento a favor de grupos armados, como ETA o las FARC, y gobiernos dictatoriales, como en el caso de Cuba con Fidel Castro a la cabeza y, por otro, como consecuencia de los beneficios que ha sacado a costa de la iniciativa de las Madres de los desaparecidos. ¿Hasta qué punto es correcta su presencia en la exposición? ¿Por qué aparece precisamente inaugurando la muestra? Esta fotografía contradice y desdibuja la línea argumental planteada en “Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años ochenta en América Latina”. ¿No fallaría, pues, el display? ¿No actúa como condicionante en la percepción del espectador?

Tras haber recorrido la exposición nos quedamos con la sensación de haber visitado un archivo histórico en lugar de una exposición artística. La mayor parte del contenido muestra una intención fundamentalmente divulgativa e informativa. Mucho de lo que vemos allí son documentos periodísticos, fotografía documental, carteles y folletos propagandísticos, etc. La protagonista es la historia, los hechos, aunque hay claras alusiones a la memoria subjetiva y a la selección de recuerdos concretos, pues la situación se cuenta desde el punto de vista de los colectivos y asociaciones artísticas.

En este punto, cabe hacer una diferenciación entre arte político y el empleo de recursos artísticos con un fin reivindicativo y revolucionario. El hecho de que un artista o grupo de artistas tomase parte en estos movimientos sociales no implica que su producción haya de estar expuesta en un Museo de Arte. ¿Se consideran obras de arte? La cartela situada junto a cada pieza nos predispone a su asimilación como objeto artístico.

La propaganda y las actividades generadas en aquellos años no nacieron con una función artística, sino como reivindicación y lucha por los derechos humanos, de manera que el arte quedaría relegado a la posición de mera herramienta. Si nos ceñimos a las escasas piezas propiamente artísticas expuestas, es acertada su ubicación en el Museo de Arte Contemporáneo; sin embargo, si nos basamos en el conjunto, donde predomina el carácter documental, ¿no sería más correcto llevar esta exposición a una institución como Casa de América?

Retomando nuestra visita a “Cartografías Contemporáneas”, nos topamos con una serie de piezas que nos crearon cierto conflicto pues nos resultaron incoherentes con el contexto y el espacio expositivo. Nos referimos a “obras” como la de Trisha Brown. Nuestra primera impresión era que no encajaba en la exposición, no encontrábamos ninguna relación con la temática común a las obras. Por otro lado técnicamente nos pareció francamente pobre, por decirlo suavemente, y carente de sentido. Perplejos, nos dispusimos a buscar información acerca de esta artista y fue entonces cuando conocimos su proceso creativo: bailando sobre el papel crea trazos espontáneos construyendo una composición abstracta. Entendemos pues que el display falla, ya que la obra necesita de una explicación teórica que no encontramos en la sala. Todo esto nos suscito una pregunta en relación con el arte actual, ¿sería este un caso más en el que prima más la firma del artista sobre la obra?

Lo que parecían ser moscas se posaban de forma intermitente sobre una superficie blanca aparentemente sin un recorrido definido. Seguimos con nuestra visita y al llegar a la última sala pudimos observar a lo lejos que las moscas habían construido parte del mapa del mundo. Había transcurrido cerca de media hora y solo se apreciaba menos de la mitad. Al tratarse de una exposición colectiva que cuenta con un gran número de obras, la visualización de la pieza no está adaptada al tiempo de recorrido de la exposición. ¿No sería más adecuado ubicarla en una sala independiente? ¿Cómo se podría solucionar la problemática de este tipo de dispositivos audiovisuales en los espacios expositivos? ¿Sería lícito poner límites? ¿Estaríamos entonces coartando la libertad del autor?



La duodécima clase: un repaso general y la presentación del cuarto taller

En nuestra duodécima clase, y antes de las vacaciones de Navidad, hemos hecho un pequeño repaso a todo lo que hemos estado viendo durante este curso, recalcando los puntos más importantes. Y seguidamente nos hemos puesto a pesentar nuestras preguntas sobre el cuarto taller: De la « obra de arte autónoma » al proceso : las « prácticas artísticas », la « investigación artística », basadas en los textos planteados en el campus virtual y las exposiciones del CaixaForum (Cartografías contemporáneas. Dibujando el pensamiento) y el Museo Reina Sofía (Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años ochenta en América Latina).

 

Algunos apuntes de clase:

-La eficacia estética "significa propiamente la eficacia de toda relación directa entre la producción de las formas del arte y la producción de un efecto inmediato...".

-Eficacia paradójica.

-Eficacia estética->se logra cuando (obras clásicas, ready-mades,etc) se presentan separados de las formas de vida que originaron su producción.

-Como las obras de arte pueden ser consideradas "objetos teóricos". Objetos que teorizan la cuestión del lenguaje, del espacio político, del colonialismo, de la memoria...->nos ayudan a apensar.

-MIEKE BAL-> "Conceptos viajeros en las humanidades" (2009).

¿Quién no estaría de acuerdo en que el respeto por el objeto requiere que suspendamos cualquier juicio basado en principios preestablecidos?.Es así como una obra de arte, o en realidad cualquier imagen, se puede convertir en un objeto teórico. Este objeto "ocurre" cuando es observado (subjetividad del observador) y cuando se resiste, lo que implica la intencionalidad de la obra, a ser normalizado dentro de una teoría anteriormente definida.

-DIDI HUBERMAN: imagen como icono.

-MITCHELL: diferencia entre picture e imagen.

-BELTING: el cuerpo como el lugar de las imágenes, de la imagen como "acontecimiento".

-Los actos de la imagen (Bildakt) de Bredekamp, etc.

- Hablamos de la Pictorial Turn, del performative turn.

-¿Exite u gesto performativo que lo produce el cuerpo?.

- Tiene que haber actos de imágenes. Las imágenes son actores. La imagen actúa y provoca.

-RABIH MROUÉ-> "The inhabitant of images".

-ROBERT MORRIS-> " 21.3".

-También pueden performar las imágenes.

-¿Qué hacen las imágenes, cómo actúan?¿Cómo pueden las imágenes actuar como testigos?.

-Actos de imaginación evocados por la imagen.

-En cuanto a la figura del autor: con la consecuente crisis del sujeto humanista...hasta Félix Gauttari que en 1977 ya decía que no debería tratarse...

-El concepto del texto como dispositivo...

-BRIAN HOLMES: máquinas, trabajo inmaterial..

 

PRESENTACIÓN DEL 4º TALLER: De la « obra de arte autónoma » al proceso : las « prácticas artísticas », la « investigación artística »

 

-El objeto "artístico"-> ¿por qué siguen siendo intocables las obras de arte?

-Museo como morgue (según Aurora).

-El comisario acentúa el discurso de las obrsa expuestas-> importancia del espacio expositivo.

-La figura del comisario como artista.

-Productor de ideas, de discursos. Pero hay cierta "incertidumbre" no concreta.

-Hay artistas que trabajan con los comisarios y generan una obra conjunta.

-Ejemplo: Caroline Christov-Bakargiev-> Docuementa 13.

-Tiene el discurso autonomía. Si el discruso no tiene autonomía, no es artístico.

-Exposición Reina Sofía: todos los archivos periodísticos y documentales forman parte de la investigación artística. Como ya lo "intervienen", generan un discurso, ya son obras de ¿arte?.

-Intervención de los artistas en los discursos históricos.

-El ámbito del arte, es el ámbito de lo sensible.

-El artista juega con la memoria, esta es despreciada por los historiadores.

-Cuando alguien narra la historia desde su punto de vista, ya está aplicando subjetividad.

-El fotoperiodismo encuadra.

-El hecho de hacer una fotografía no significa que sea artística. Es la manera de utilizarla lo que la hace artística.

-No todo lo expuesto en el Reina Sofía es arte.

-Investigación artística.

-Estamos condicionados por las instituciones. Si es un museo de arte, se supone que vas  a ver arte porque el museo lo dice.

-El genio es vivificador.

-La experiencia estética te la produce el genio-> es un concepto tradicional que se sigue teniendo hoy en día.

-Creatividad llevada al artivismo.