WALTER BENJAMÍN: El autor como productor

Biografía:

(Berlín, Alemania,1892 - Port Bou, España, 1940) fue un filósofo y crítico alemán. Comenzó sus estudios de filosofía en Berlín, que prosiguió en Friburgo, Munich y Berna. Su vocación académica quedó truncada al no ser aprobada su tesis doctoral El origen de la tragedia alemana(1928) en la Universidad de Francfort. Próximo a los postulados del pensamiento marxista de György Lukacs, mantuvo una estrecha relación con el dramaturgo germano Bertolt Brecht.

Conocido principalmente por sus ensayos filosóficos y como crítico. Como sociólogo y crítico cultural combinó ideas místicas judías con una perspectiva proveniente del materialismo histórico para lograr así una contribución totalmente nueva a la filosofía marxista. Como erudito literario, tradujo textos escritos por Marcel Proust y Charles-Pierre Baudelaire, y su ensayo La tarea del traductor es uno de los textos teóricos de traducción más conocidos.

Huyó siempre del pensamiento sistemático, de la unidad y de la claridad analítica para presentar sus ideas y opiniones en constelaciones, pequeñas iluminaciones y fragmentos de reflexión. El universo discursivo benjaminiano no es fácil de resumir, ni de acceso inmediato. Las Tesis sobre la filosofía de la Historia (1940), uno de los últimos textos de Benjamin, fue lo más cercano a tal síntesis, y junto con el ensayo La obra de arte en la era de su reproducción técnica (1935) y El autor como productor (1934), está entre sus textos más leídos.

El autor como productor:

En él, Benjamin lo que se plantea es la antigua cuestión de la estética marxista: ¿qué es más importante, la forma o el contenido? Benjamin propone que una obra literaria «sólo será políticamente correcta si es también literariamente correcta». El autor como productor es una defensa del ala izquierda de la vanguardia modernista, para él tipificada en el surrealismo, contra la actitud del Partido Comunista respecto a la literatura, y su tendencia a las historias realistas y comprensibles, con un fuerte sesgo progresista. Para presentar su causa, Benjamin se siente obligado de nuevo a apelar a la fascinación de la ingeniería: el escritor, como el ingeniero, es un especialista técnico, y debería concedérsele voz en asuntos técnicos.

Algunas frases destacables:

• "El activismo ha emprendido la tarea de reemplazar la dialéctica 
• materialista por magnitud indefinible en términos de clase: el sano entendimiento 
• común."

• " [...] una función económica de la fotografía consiste en entregar a las masas, mediante una elaboración a la moda, ciertos contenidos que antes estaban excluidos de su consumo – la primavera, los grandes personajes, los países lejanos–, una de sus funciones políticas consiste en renovar desde dentro –es decir, a la moda— el mundo tal como es. Tenemos aquí un ejemplo contundente de lo que significa: abastecer un aparato de producción sin transformarlo."

• "Al experimentar su solidaridad con el proletariado, el autor como productor experimenta al mismo tiempo y de manera inmediata su solidaridad con otros productores que anteriormente tenían poco que ver con él".

• "Cuanto mejor logre encauzar su actividad en estas tareas, más correcta será la tendencia y más alta será necesariamente la calidad técnica de su trabajo. Y por otra parte: mientras más preciso sea su conocimiento del lugar que ocupa en el proceso de producción, menor será la tentación de hacerse pasar por un “hombre de espíritu”. El Espíritu que se deja oír en nombre del fascismo debe desaparecer. El Espíritu que se enfrenta al fascismo confiado en su propia fuerza milagrosa desaparecerá. Pues la lucha revolucionaria no es una lucha entre el capitalismo y el Espíritu sino entre el capitalismo y el proletariado."

GEORGES DIDI-HUBERMAN: Entrevista: Un conocimiento por el montaje.

Biografía:

(Nació en Saint-Étienne, Francia en 1953) Es un historiador del arte y ensayista francés de renombre internacional. Estudió en París completando sus estudios en Roma (Académie de France), Florencia (Villa I Tatti, Harvard University Centre for Italian Renaissance Studies), y Londres (Institute of Advance Study, Warburg Institute). Dirige seminarios en la École des Hautes Études en Sciences Sociales (París), pero también ha sido docente en Baltimore o Berlín. Fue premiado en Hamburgo por la Fundación Aby-Warburg, y ganó el  premio Humboldt en 2006.

Es un gran teorizador de la imagen pretendiendo ir más allá de la iconografía más objetiva de tipo panofskyano. Se define heredero intelectual de Aby Warburg, Georges Bataille, Carl Einstein y Walter Benajamin. Reconoce además el influjo de Foucault, Freud y Lacan. lo que supone una interpretación de las imágenes que se apoya en el psicoanálisis de un modo muy crítico para construir otra posible historia del arte. Es autor de numerosas publicaciones sobre la historia y la teoría de las imágenes. Entre sus textos destacan Lo que vemos, lo que nos mira (1997),L’Image survivante. Histoire de l’art et temps des fantômes selon Aby Warburg (2002), Imágenes pese a todo: memoria visual del holocausto (2004), Gestes de l’air et de pierre. Corps, parole, souffle, image (2005), Venus rajada: desnudez, sueño, crueldad (2005), Ante el tiempo. Historia del arte y anacronismo de las imágenes (2006) y Ex-voto: image, organe, temps (2006). 

Entrevista: Un conocimiento por el  montaje, "Cuando la imagen toca lo real":

"La relación entre imagen y realidad es un debate filosófico que se remonta a la discusión entre Paltón y Aristóteles. Platón pensaba que las imágenes forman parte del mundo sensible y por tanto no pueden decirnos la verdad sobre las cosas, porque la verdad pasa por el mundo de las ideas. Suya es la distinción entre apariencia (imagen) y esencia (verdad). La verdad de la taza es la idea de taza, no lo que tu miras, ni lo que tu tocas. Hoy muchos platónicos, piensan que la imágen sólo es un simulacro, una pantalla, una mentira.

Por lo contrario Aristóteles dice que nadie puede pasarse de las imágenes para pensar. El pensamiento también hace imágenes, no se puede pensar sin imágenes. Yo soy aristotélico. Pienso que una imagen, incluida una fotografía, es un "medium", no exactamente la realidad. Cuando veo una imagen de Auschwitz no estoy en un campo, evidentemente. Pero lo que digo es que las imágenes tocan lo real: hay un punto en el que la imagen me indica algo que no es sólo apariencia. Distingo entre apariencia y aparición: cuando la mariposa aparece  no es una ilusión. Es justamente lo real. Si tu consigues que la imagen sea una aparición, que capte una aparición, en ese momento la imagen toca lo real. En la polémica en torno a las imágenes de los campos, la cuestión era si la foto nos enseña algo de Auschwitz o no. [...]. Para mi tocan lo real, sin ser lo real."

Algunas frases destacables:

• "[...] la imagen es una herramienta para la manipulación, pero eso sólo es cierto si soñamos con un signo sin manipulación, algo que no existe."

• "[...] la imagen como mariposa. Si realmente quieres verle las alas a una mariposa primero tienes que matarla y luego ponerla en una vitrina. Una vez muerta, y sólo entonces, puedes contemplarla tranquilamente. Pero si quieres conservar la vida, que al fin y al cabo es lo más interesante, sólo verás las alas fugazmente, muy poco tiempo, un abrir y cerrar de ojos. Eso es la imagen. La imagen es una mariposa. Una imagen es algo que vive y que sólo nos muestra su capacidad de verdad en un destello."

• " [...] lo que nos interesa es, en realidad, lo que ocurre entre el mundo de los signos y el mundo del cuerpo.Eso es una imagen. Cuando los iconógrafos se interesan únicamente por las imágenes como emblema de una idea, entramos de lleno en el reino del concepto, en un ámbito totalmente abstracto."

• " [...] para historizar las imágenes hay que crear un archivo que no puede organizarse como un puro y simple relato, puesto que es algo fatalmente más complejo."

• "Cuando hablo de que "las imágenes pueden tocar lo real", quizás tendría que precisar que en esta idea hay una postura paradojicamente inversa a toda tentativa de e de la imagen."

ROLAND BARTHES: La muerte del autor

Biografía:

(Cherbourg, 1915 - París, 1980) Crítico, ensayista y semiólogo francés. Fue uno de los principales representantes de la nueva crítica o crítica estructuralista. Estudió en el liceo Louis-le-Grand, se licenció en la Sorbona, ejerció la actividad docente en el liceo de Biarritz, en el Liceo Voltaire y más tarde en el Collège de France. Trabajó como periodista literario en Combat, fundó la revista Théâtre Populaire y dirigió la Escuela Práctica de Altos Estudios. Influido por la obra de L. Bloomfield y F. de Saussure, a principios de los años setenta se propuso, junto a J. Kristeva, Ph. Sollers, J. Derrida y J. Lacan, fundar una nueva ciencia, la semiología, para estudiar la naturaleza, producción e interpretación de los signos sociales a través del análisis de textos.

En su primer libro, El grado cero de la escritura (1953), analizó la condición histórica del lenguaje literario y delimitó los conceptos de lengua, estilo y escritura. Una recopilación de 53 artículos publicados inicialmente en la revista Les Lettres Nouvelles, entre 1954 y 1956, se transformó luego en Mitologías (1957), uno de sus libros más famosos, en el que consideró sistemáticamente, en bloque, "a esa especie de monstruo que es la pequeña burguesía", para comprender sus abusos ideológicos.En 1964 aparecieron los Ensayos críticos, en los que tomaba en consideración los puntos sobresalientes de la temática literaria más viva en Francia, afrontando de lleno, en una confrontación crítica con el estructuralismo, la problemática del significado de la obra literaria. Los esfuerzos de Barthes también se encaminaron a sentar, de manera crítica, las bases de una teoría de los signos, es decir, de una "semiología", intentando situar la ciencia de los signos -en el sentido más lato del término- dentro del campo de la lingüística: Elementos de semiología (Éléments de sémiologie, 1964), Sistema de la moda (Le système de la Mode, 1967).

La muerte del autor:

Explica que el acto de escribir se reforma, un escrito es una reconstrucción, un reescrito, por ello que el autor desaparece o metafóricamente muere. Barthes afirma que la idea de autor tiene que ver con un gesto, con la idea de firma, de apropiarse de las ideas, sin embargo, hay  las ideas escritas en un papel, no son propias de cada persona, pertenecen a la cultura histórica en general. Por esto, plantea que para dar existencia al lector, la voz del autor debe desaparecer. Esto se debe a que el discurso escrito no es una categoría fija, pues cada lector le da una posible interpretación a dicho texto. Por tanto, expone que el texto es una reescritura, es un tejido de citas donde se mezclan todas las culturas, se reescribe y se reactualiza, dejando de ser una categoría fija. Concluyendo con que el autor tiene que desaparecer, para que pueda existir el lector, como un agente reconstructor. En definitiva se plantea que un texto es un entretejido de citas que vienen de distintos tipos de culturas.

Algunas frases destacables:

• "El autor es un personaje moderno, producido indudablemente por nuestra sociedad, en la medida que ésta, al salir de la Edad Media y gracias al empirismo inglés, el racionalismo francés y la fe personal de la reforma, descubre el prestigio del individuo o dicho de manera más noble, de la “persona humana”."

• "El alejamiento del Autor (se podría hablar, siguiendo a Brecht, de un auténtico “distanciamiento”, en el que el Autor se empequeñece como una estatuilla al fondo de la escena literaria) no es tan sólo un hecho histórico o un acto de escritura: transforma de cabo a rabo el texto moderno (o –lo que viene a ser lo mismo– que el autor se ausenta de él a todos los niveles)."

• "Cuando se cree en el Autor, éste se concibe siempre como el pasado de su propio libro: el libro y el autor se sitúan por sí solos en una misma línea, distribuida en un antes y un después: se supone que el Autor es el que nutre al libro, o sea, que existe antes que él, que piensa, sufre y vive para él; mantiene con su obra la misma relación de antecedente que un padre respecto a su hijo. Por el contrario, el escritor moderno nace a la vez que su texto; no está provisto en absoluto de un ser que preceda o exceda su escritura, no es en absoluto el sujeto cuyo predicado sería el libro; no existe otro tiempo que el de la enunciación, y todo texto está escrito eternamente aquí y ahora."

• "Darle a un texto un Autor es imponerle un seguro, proveerlo de un significado último, cerrar la escritura."

• " [...] sabemos que para devolverle su porvenir a la escritura hay que darle la vuelta al mito: el nacimiento del lector se paga con la muerte del Autor."

La idea en la nos hemos centrado para el tercer taller: ¿ha muerto el artista/autor de verdad?

En este tercer taller la propuesta planteada era la siguiente: artista-autor-vicisitudes de la autoría. Al igual que en el resto de los powerpoint tenemos libertad para planteárnoslo como "queramos", siempre y cuando nos sigamos las pautas establecidas, más o menos, por la profesora. La única diferencia en esta ocasión, es que debemos crear un dispositivo visual que contenga imágenes que MUESTREN lo que pretendemos contar, más una parte de textos explicativos.
 

Con el tema planteado, mi equipo, el equipo kiwi, y yo nos dispusimos a leer los textos subidos al campus y a buscar información sobre la autoría. A diferencia de otros grupos, seguramente, nosotros decidimos plantear el taller partiendo primero de los textos (como habíamos hecho con el resto de los talleres) y después buscar "información gráfica". Creo que es mucho mejor comenzar leyendo primeramente, para saber en que mundo estamos metiéndonos, y después relacionarlo con imágenes que te sugieran. En vez de a la inversa.
 

Así pues llegamos a una conclusión final que sería la que trataríamos en nuestro taller, ¿realmente había muerto el artista? ¿Ya no existe el concepto de genio? ¿Qué pasa con las obras? ¿Ya no existe la muestra de pasiones y emociones en las obras por parte de los autores? Nuestra intención era mostrar a través de distintas obras de distintos autores, como estos conceptos vienen y van a lo largo de estas últimas décadas. No existe nada determinante a lo largo de estos años que genere la idea de que el artista a penas posee representación en sus proyectos. Es cierto que en los años 60 hubo una ruptura con la idea clásica de artista-obra-genio-autoría-etc, pero evidentemente no marcaría de por vida al arte futuro, ¿influyó? por supuesto, pero no fue un punto y aparte. De hecho actualmente hay un intento por regresar de nuevo a esa "concepción clásica" de artista por medio del arte figurativo o no, más relacionado, parece ser, con la muestra personal del mundo interior de artista. Esto es algo que se ha estado desarrollando en mayor o menor medida durante todos estos años, no ha desaparecido. A pesar de que siga predominando el arte conceptual y las obras impersonales. De alguna manera existe una coexistencia entre ambas "ramas" que según el momento domina una sobre la otra. Por otro lado tenemos el desarrollo de las nuevas tecnologías, gestadas en los años 90. Internet por ejemplo. Genera un nuevo sistema de producción y distribución que revoluciona el arte. Y aquí, desde nuestro punto de vista, es cuando la figura del artista entra en conflicto consigo misma, se contradice. Por un lado la figura del artista se "difumina", su obra está en todos los lados, pero de alguna manera no sientes la presencia del autor, parece volátil. Sin embargo su FIRMA está por todos lados (los derechos de autor), todo está marcado. El artista hace acto de presencia en todas sus obras, copias o no. El artista ha pasado a ser una mera marca comercial, un nombre que se vende.

Concluyendo. Nuestra finalidad era mostrar de forma "cronológica" (más o menos) como la figura del artista se ha ido modificando a lo largo de estos sesenta años sin pretender la muerte del artista. La muestra interior de un artista en sus obras queda reflejada en muchas obras conocidas de estas décadas atrás, no ha desaparecido, más que nada porque no existe tampoco una tendencia, una ideología a seguir, un movimiento artístico en definitiva. Todo fluye en mayor o menor medida.
 

Decir que a diferencia de los otros talleres a resultado más dinámico y constructivo. La idea de desarrollar powerpoint como muestras gráficas es un buen método para plantear ciertos temas. Aunque sigue siendo una tarea ardua. Esperemos continuar por el buen camino.

MICHELL FOUCAULT: ¿Qué es el autor?

Biografía:

(Poitiers, Francia, 1926-París, 1984) Fue un filósofo francés, estudió filosofía en la École Normale Supérieure de París y ejerció la docencia en las universidades como Clermont-Ferrand y Vincennes, tras lo cual entró en el Collège de France en 1970. En la década de 1970 fue una de las figuras más importantes e influyentes del ambiente cultural francés. Nunca quiso autodefinirse como un historiador de los ideales ni de las ciencias, sino como un arqueólogo. Su obra ha influido a imporntantes personalidades de las ciencias sociales y humanísticas del mundo occidental.

Sus teorías sobre el saber, el poder y el sujeto revolucionaron las ciencias sociales. Sus primeras obras (Historia de la locura, El nacimiento de la clínica, Las palabras y las ocas, La arqueología del saber) seguían una línea más bien estrucuturalista, pero se le considera generalmente como un postestructuralista debido a que careció siempre de la pretensión de cientificidad característica del estructuralismo.

¿Qué es un autor?:

En este texto Foucault plantea que cuando incluimos determinadas obras en la carrera de un autor y excluimos otras que fueron escritas en un estilo "diferente" o "inferior", creamos un unidad estilística y una coherencia teórica. Esto se hace por privilegiar ciertos escritos como auténticos y excluir a otros que no encajan en nuestra visión de lo que el autor debería ser: " El autor es, por lo tanto, la figura ideológica gracias a la cual se conjura la proliferación del sentido".

Algunas frases destacables:

• "En la escritura, no se trata de la manifestación o de la exaltación del gesto de escribir; no se trata de la sujeción de un sujeto a un lenguaje: se trata de la apertura de un espacio en donde el sujeto que escribe no deja de desaparecer."

• "La obra que tenía el deber de traer la inmortalidad recibe ahora el derecho de matar, de ser asesina de su autor."

• "Pero hay algo más: esta relación de la escritura con la muerte se manifiesta también en la desaparición de los caracteres individuales del sujeto escritor; mediante todos los ardides que establece entre él y lo que escribe, el sujeto escritor desvía todos los signos de su individualidad particular; la marca del escritor ya no es más que la singularidad de su ausencia; tiene que representar el papel del muerto en el juego de la escritura."

• "Otra noción, me parece, bloquea la constatación de la desaparición del autor y retiene de algún modo el pensamiento al borde de dicha desaparición; con sutileza, conserva aún la existencia del autor. Se trata de la noción de escritura."  

La séptima clase: dejamos la imagen, hablamos del artista-autor

Tras la conferencia retomamos nuestras actividades normales y seguimos con las clases habituales. Ya hemos dejado por el momento el tema de la imagen y ahora vamos a introducirnos en la figura del artista, ¿qué es el autor?.

 

Algunas anotaciones:

-La figura del genio-> artista.

-Los artistas comienzan a trabajar sobre la figura del artista interpretando determinados personajes:

-> Bruce Nauman

-> Boltanski

-En los años 60 comienza a retomarse la figura del artista->se investiga y se replantean los conceptos. Se redefine la figura del artista

-La Documenta del 72

-Comienza a entrar en crisi esa idea de artista, del yo como artista.

- Idea de Intencionalidad.

-Idea de Organicismo.

-"Intentar sacar de dentro a fuera"

-ROLAND BARTHES: "La nave Argos"

"Para ilustrar la noción de estructura, a Roland Barthes le gustaba emplear la historia de los Argonautas, a quienes los dioses habían ordenado completar su largo viaje sin cambiar de barco- el Argo- a pesar de ser conscientes de su gradual deterioro. En el curso de su viaje fueron reemplazandolo las piezas consiguiendo crear un nuevo barco sin tener que cambiarle el nombre, ni la forma."

->Es una alegoría: un objeto eminentemente estructural, creado, no por el genio, la inspiración, la determinaciñon, la inspiraciñon, la evolución, sino por dos actos modestos: 1) la sustitución (una pieza desplazada por otra, como un paradigma) y 2) la nominación (el nombre no está vinculado para nada a la estabilida de las piezas).

A fuerza de hacer combinaciones dentro de un mismo nombre, no queda ya nada del origen: Argos esun objeto que no tiene otra causa que su nombre, u otra identidad que su forma.

Conferencia: "R M S: La Asociación"

Ayer, antes de comenzar la clase normal, acudimos a la conferencia del grupo llamado "R M S" La Asociación formado por los integrantes: Sergio Rubira, Marta de la Torriente y Rocio Gracia Ipiña .

Tras una breve introducción sobre la historia de las exposiciones y a partir de la experiencia comisarial de RMS La Asociación ( quienes se conocieron como becarios en la Galeria&Ediciones Gingko a finales de los años noventa) y del comentario de algunos de los proyectos que han realizado, comenzaron a mostrarnos uno de los muchos modos posibles de enfrentarse a la profesión de comisario de arte contemporáneo. Insistieron en el concepto de trabajo en colectivo, en el proceso que lleva del proyecto inicial a su realización final, en alternativas al dispositivo de exposición tradicional y en la forma que puede establecerse un relato a través del montaje expositivo. Además de presentarnos también el proyecto más reciente de RMS La Asociación, «RMS El Espacio», que, desde la independencia, pretende convertirse en un lugar para el debate sobre la práctica artística actual, en un laboratorio de proyectos y en un punto de encuentro en Madrid.

 

RMS, La Asociación es una agencia de producción cultural formada en Madrid en 1999 que trabaja en el comisariado de exposiciones, la gestión y producción de proyectos y la elaboración de programas de mediación en el ámbito del arte contemporáneo. Es además uno de los principales generadores y dinamizadores del tejido artístico de Madrid

Como comisarios, sus intereses se han centrado en proyectos vinculados al contexto en el que se desarrollan («MADRID_PROCESOS_REDES», El Águila, Madrid, 2006; «Entresijos y Gallinejas», CASM, Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona, 2007; «Entornos Próximos», Artium, Vitoria-Gasteiz, 2008), la investigación de otras narrativas posibles del arte contemporáneo («Sur le Dandysme Aujourd’Hui», CGAC, Santiago de Compostela, 2010) y la reflexión sobre el propio medio expositivo («Zapping: una Exposición Portátil», ARCO, 2002, MUCA Roma, México D.F., 2003; «Arruinados», «OffLimits», Madrid, 2002; «Archivo VEO», www.rms.com.es/VEO, 2009, en preparación).

 

 

"R M S" El Espacio

 

Algunos de sus proyectos citados en la conferencia:

 

Puntos de encuentro'00

 

La exposición pretendía plantear una muestra de la creación artística reciente en España. Presentó el trabajo de diecinueve artistas que habían comenzado su actividad en los años noventa donde primaba la multiplicidad de lenguajes y técnicas y la pluralidad de su procedencia. Se acompañó de un ciclo de mesas redondas en el que especialistas y teóricos debatieron sobre la situación del arte actual en España.

Artistas: Elizabeth Aro, Jordi Colomer, Carles Congost, Jon Mikel Euba, Txaro Fontalba, Daniel Jordá, KÖNIEC, Gabriela Kraviez, José Eugenio Marchesi, Alicia Martín, Mateo Maté, Begoña Montalbán, Fumiko Negishi, Esther Partegàs, Javier Peñafiel, Juan Pérez Agirregoikoa, Paco Polán, Óscar Seco, y Laura Torrado.

 

 

Oscar Seco, Daniel Jordá, Txaro Fontalba, Ester Partegàs

 

 

Carles Congost

 

Puntos de encuentro'01

 

Dentro de la serie de exposiciones Puntos de encuentro, esta edición ampliaba el panorama que se había planteado en la primera. Se seleccionó el trabajo de ocho artistas que habían comenzado su actividad en la segunda mitad de los años noventa y se primó la multiplicidad de lenguajes y técnicas y la pluralidad de procedencia. Todas las obras se produjeron de forma específica para la exposición.

Artistas: Maider López, Connie Mendoza, Julia Montilla, Joan Morey, Pedro Ortuño, Tomi Osuna, El Perro, y Tere Recarens.

 

Maider López

 

El Perro

 

Puntos de encuentro'02. Arruinados

Última edición de Puntos de encuentro celebrada en Off Limits antes de su rehabilitación. Dado que el espacio propuesto para la exposición era un descampado –una ruina moderna- se les propuso a los artistas trabajar sobre el concepto de ruina, que abordaron desde diversos ángulos.

Artistas: Lara Almárcegui; Sergio Belinchón; Santiago Cirujeda; Adriá Juliá; Cristina Lucas; Antonio de la Rosa

 

Cristina Lucas

 

Adriá Juliá

 

Un cofenrencia muy interesante y constructiva. Nos ha ayudado a entender mejor el mundo de la producción y gestón artística. Sobre todo por la forma en la que se nos ha planteado, desde un punto de vsita muy personal, con anécdotas, muy cercano.

Para más información sobre "R M S" La Asociación: los links dispuestos abajo.

 



*Sobre "R M S" La Asociación: Información sacada de: http://w3art.es/09-10/2010/10/centre_dart_la_panera_vi_curso.php

*Sobre "R M S" La Asociación: Información sacada de: http://www.vanidad.es/mixedup/rms-el-espacio

*Sobre "R M S" La Asociación: Información sacada de: http://www.rms.com.es/